Оп-арт (или оптическое искусство) - это течение абстракционизма, главным объектом которого являются оптические иллюзии, созданные с целью обмануть глаз зрителя. Это течение тесно связано с кинетизмом - направлением в современном искусстве, фокусирующемся на создании движения или его иллюзии.
Оп-арт использует главным образом геометрические фигуры, расположенные в четкой математической проекции так, чтобы создавалась иллюзия движения, глубины или колебаний. Первые работы в этом направлении создавались с использованием ахроматической палитры цветов (белый, черный и серый), которая позволяла добиться идеального контраста.
Принято считать, что основоположником течения является французский художник-кинетик Виктор Вазарели. Оп-арт также связывают с абстрактным экспрессионизмом, кубизмом и дадаизмом.
Исторический контекст
На протяжении многих веков художников интересовала теория восприятия цвета, формы и перспективы. Чтобы усовершенствовать технику живописи, мастера стали изучать оптические эффекты и иллюзии. Специфичность визуального восприятия стала основой импрессионизма, а интерес к геометрическим формам положил начало кубизму.
К середине XX века все эти интересы, подпитанные развитием психологии и беспрецедентным техническим прогрессом, вылились в новое течение. Шедевры оптического искусства создаются из абстрактных форм, находящихся в резком контрасте с фоном, таким образом, получаются эффекты, которые одновременно запутывают и стимулируют визуальное восприятие зрителей.
Самые первые выставки привлекли внимание широкой интернациональной публики. Многим посетителям казалось, что оп-арт является идеальным направлением искусства для современного мира с его новыми достижениями в технике, психологии, медицине, цифровых и телевизионных технологиях.
История возникновения оптического искусства
Впервые термин "оп-арт" был использован художником и писателем Дональдом Джаддом в критическом обзоре выставки Джулиана Станчика «Оптические картины». Новое название было быстро подхвачено Times - статья, посвященная этой же выставке, окончательно укрепила оптическое искусство как отдельное направление и наградила его звучным именем.
Несмотря на то что корни этого течения прослеживаются еще в первых теориях цветового восприятия, современный оп-арт возник под влиянием работ Виктора Вазарели, который одним из первых стал изучать оптические иллюзии, возникающие при определенном расположении фигур на холсте.
The Responsive Eye - апогей оптического искусства
В середине XX столетия серия международных выставок привлекла внимание к работам в таком стиле, как оп-арт. Вазарели и его идеи заинтересовали не только общественность, но и других художников, которые увидели в оптических иллюзиях смешение традиционного искусства и современных возможностей и интересов. В 1965 году в знаменитом Нью-Йоркском музее современного искусства (MoMA) прошла выставка под названием The Responsive Eye. Среди представленных 123 экспонатов были не только работы Вазарели, многие другие представители оп-арта получили возможность показать публике свои оптические иллюзии. Среди них были такие художники, как Бриджет Райли, Франк Стелла, Карлос Крус-Диез и Хесус Рафаэль Сото.
Общее представление об оптическом искусстве
Представители оп-арта были заинтересованы возможностями человеческого глаза и зрительного восприятия, именно для этого они создавали разные композиции, позволяющие исследовать феномены оптического восприятия и реакцию зрителей. Такие эффекты, как комбинационные искажения, ослепление, остаточные изображения, используют точно просчитанное расположение форм, цветов, яркости и контраста, чтобы стимулировать человеческий глаз.
В основном художники оп-арта использовали ахроматическую палитру, мотивируя это тем, что чем сильнее контраст, тем четче иллюзия. Без использования контуров на черно-белых полотнах тяжелее всего определить, какой цвет является фоном. Однако цвет часто становился инструментом для создания оптических иллюзий, поскольку различные оттенки добавляют глубину изображению так же, как и контраст между оттенками различной интенсивности предлагает новые возможности для экспериментов.
Несмотря на странные и неожиданные эффекты, оп-арт полностью соответствует канонам высокого искусства, так как все классические полотна используют иллюзию глубины и пространственного изображения. Оптическое искусство расширяет традиционную иллюзорность, рассчитывая на психологические правила визуального восприятия.
Как создаются оптические иллюзии
Оптическое искусство (оп-арт) как отдельное движение опирается на физиологическую и психологическую связь между органом зрения (глаз) и органом восприятия (мозг и нервная система). Определенные узоры и геометрические композиции способны повлечь за собой разногласие между двумя этими органами, таким образом, создавая иррациональные оптические эффекты и иллюзии.
Эти эффекты можно разделить на две основных категории:
- Иллюзия движения - вызвана специфическим расположением контрастирующих геометрических фигур. Эффект воспринимаемого движения легче всего создать, используя черно-белую палитру.
- Остаточные изображения - заставляют мозг удерживать изображение и проецировать его на чистую поверхность сразу после того как взгляд зрителя покидает объект оп-арта. Такой эффект создается с помощью очень ярких и контрастирующих между собой цветов.
Оп-арт в искусстве
Критики считают, что корни оптического искусства происходят из геометрического абстракционизма, который тоже являлся порождением нового и быстро изменяющегося мира. Однако тенденция фокусироваться строго на визуальных и перцептивных эффектах говорит скорее о том, что большее влияние на стиль оп-арт оказали идеи мастеров барокко, которые затем объединились в технический прием, называемый «тромплей» (trompe-l’oeil). Его называют еще усиленной перспективой или обманкой.
Представители оптического искусства не отличались единым идейным порывом. Одни из них создавали перцептивные иллюзии в качестве эксперимента над человеческим восприятием, другие старались внести искусство в широкие массы, создавая новые, интересные и стимулирующие проекты. Многие художники, выполнившие шедевры оп-арта, не считали себя частью движения, и даже напрочь отказывались признавать его в качестве отдельного, самостоятельного направления.
Основные характеристики
Каждое художественное течение обладает уникальными, неповторимыми характерными чертами. Именно такие черты разделяют работы, принадлежащие кубизму, дадаизму и конструктивизму, вместо того, чтобы объединить их под одним общим куполом абстрактного искусства.
Оп-арт вылился в отдельное течение именно благодаря ряду уникальных характеристик:
- Главная цель оптического искусства - обмануть глаз зрителя. Композиции построены так, что создается диссонанс между органом зрения и органом восприятия, в результате которого получается иллюзия движения или любой другой оптический эффект.
- Из-за своих исключительно геометрических форм оп-арт является нерепрезентативным течением, то есть представители оптического искусства не стараются изобразить конкретные предметы окружающей их реальности.
- Используемые элементы, среди которых цвет, формы и линии, изучены и просчитаны и создают композицию с практически математической точностью.
- В оптическом искусстве для композиции одинаковое значение имеет как фон, так и первый план.
- Главными техническими приемами для создания оптических иллюзий являются перспектива и точное сопоставление форм и цветов.
Оценка критиков
Апогеем оптического искусства стала Нью-Йоркская выставка The Responsive Eye. Она пользовалась невероятной популярностью у широкой публики, заинтригованной новым соотношением цвета и формы. Однако критики не удостоили работы и само движение особым вниманием.
Некоторые из художников и критиков, несмотря на новое сочетание науки и искусства, оказались ярыми противниками стиля оп-арт, мотивируя это тем, что выставка собрала работы художников, чьи цели и идеи настолько различны и противоречивы, что они не могут принадлежать одному течению.
Благодаря инновационным и комплексным визуальным эффектам оп-арт получил мгновенное признание публики, однако критики продолжали относиться к нему с недоверием и снисхождением, считая стиль несостоявшимся, мимолетным трендом, обреченным на полное забвение.
Оптическое искусство сегодня
Критики были частично правы относительно мимолетности оп-арта. После 1965 года стиль достаточно быстро растерял свой потенциал. Возможно, причиной тому стало отсутствие общих целей и идейной базы или молниеносный коммерческий успех оптических иллюзий.
Через много лет после апогея оп-арта его репутация продолжает быть противоречивой. Некоторые критики называют оптические композиции «щекотанием глаз», другие сравнивают поп-арт и оп-арт, проводя параллели и называя оптическое искусство абстрактным поп-артом. Сегодня такого рода иллюзии широко используются в индустрии моды, психологии и цифровых технологиях.
Шестидесятые стали десятилетием молодежных субкультур, эксцентричной "бумажной" и "пластиковой" моды и минимализма. Европейские и американские подростки протестовали против политики своих государств, демонстрируя негативное отношение к обществу потребления с помощью одежды из секонд-хэндов. Игнорирование молодежью дизайнерских моделей не помешало громкому дебюту Ива Сен-Лорана и Валентино Гаравани, также пришедшемуся на "безумные шестидесятые". "Если вы помните 60-е, значит, вы тогда не жили", — говорил продюсер группы The Doors Дик Вулф.
"Чем безумнее - тем лучше!"
Пожалуй, самым экстравагантным направлением моды 1960-х стал космический стиль. В 1961 году , и это повлияло не только на развитие науки, но и на моду. Дизайнеры были вдохновлены новыми перспективами и стали создавать причудливые, "инопланетные" модели. Первопроходцем в "космической моде" был дизайнер Андре Курреж, поклонники которого носили лунные ботинки и солнцезащитные очки в форме теннисных мячей. Курреж создавал короткие, похожие на детские, платьица, украшая их сверкающими пайетками и необычными аксессуарами.
Для подобных моделей более подходящими оказались искусственные, а не натуральные материалы - синтетика, пластик, винил. Модельеры украшали платья виниловыми пластинками и ими же скрепляли элементы купальника. В качестве материала использовался и металл. Конечно, сияющие комбинезоны, шлемы причудливой формы и щиты для глаз не прижились на улицах, однако подиумы в то время пестрели необычными "космическими" моделями, над созданием которых работали известные модельеры и .
Мода на синтетические волокна плавно переросла в тенденцию создавать одежду из материалов, ранее использовавшихся в совсем иных целях. Дизайнеры экспериментировали с материалами, изготовлявшимися для космических скафандров, спортивной одежды и военной формы. Модели дефилировали по подиумам в одежде из винила и дакрона, которая на фоне консервативной парижской моды предыдущих десятилетий выглядела сверхоригинально и даже революционно. Эксцентричность предложенных дизайнерами нарядов считалась плюсом - для многих 1960-е прошли под девизом: "Чем безумнее - тем лучше!". Наряду с "пластиковой" и "виниловой" тенденцией в этот период в мире моды протекал и "бумажный бум".
В 1966 году в США фабрика Скотта помимо бумажных предметов обихода стала выпускать и одежду. Бумажные модели были двух расцветок - черно-белые и желто-черно-красные. Коллекцию назвали "Взрыв цвета" и рекомендовали менять при помощи ножниц, а чинить, используя лист бумаги. Надевать подобное платье можно было до пяти раз, а продавались модели "бумажной" моды в специальных магазинах. Производители представляли новые костюмы как воплощение блестящей новаторской идеи и произведение современного искусства.
Уловив новую тенденцию в массовом производстве, бумажные модели стали создавать и дизайнеры. "Бумажными кутюрье" журналисты и публика окрестили Элизу Дэббс и Гарри Гордона, выпускавших платья по три доллара за штуку. Однако не все дизайнеры были столь демократичны - зачастую цены на бумажные модели могли сравниться с кутюрными нарядами. В Нью-Йорке, на Мэдисон-авеню открылся бутик "Парафеналия", где продавалась супермодная пластиковая и бумажная одежда. "Тот, кто с пафосом относится к одежде, отвратителен. Ведь это всего лишь одежда. Она должна быть смешной, ее нельзя воспринимать серьезно", — озвучил настроения в молодежной среде один из основателей "Парафеналии" Пол Янг, сооснователем культового бутика был .
Искусство в моде
На фоне популярности картин "Зеленые бутылки кока-колы" и "Банки супа "Кэмпбелл" Уорхол начал переносить свои знаменитые рисунки и на ткань. Создавая одежду по собственным эскизам, он выпустил ставшие популярными платья "Бутылка", "Хрупкость", рубашку "Суп "Кэмпбелл". Рисунки в стиле поп-арт использовали в своих моделях и другие дизайнеры, сделав многократное перенесение привычных объектов на ткань одной из самых ярких тенденций моды 1960-х.
Если влияние кинематографа на моду ощущалось и в предыдущие десятилетия, то живопись проникла в фэшн-индустрию как раз в шестидесятые. Еще одним течением, которое нашло широкое отражение в массовой одежде, стал стиль оп-арт. Картины, выполненные в этом стиле, строились на световых эффектах и контрасте черного и белого цветов. Тенденция выражать человеческие чувства с помощью оптических эффектов появилась в 1950-х, а повсеместное распространение получила уже в середине 1960-х. Черно-белые контрастные полотна зачастую вызывали у зрителей головокружение, а модельеров стиль оп-арт привлекал графической простотой и новизной. Обычно подобные модели одежды были простого кроя, что, впрочем, с лихвой компенсировалось изображенными на ткани искаженными геометрическими фигурами, стилизованными кругами и монохромными спиралями и полосами. "Новая волна рисунка на ткани получила название оп-арт. Основой дизайна становятся современная архитектура и живопись. От романтизма не осталось и следа", — писал в 1966 году журнал Neue Mode.
Новая, в чем-то эксцентричная мода была крайне популярна у подростков. Среди модельеров, вдохновлявшихся новыми течениями в живописи, были Лари Олдрич, Андре Курреж, . Последний в 1965 году представил публике коллекцию, основанную на творчестве одного из основоположников абстрактной живописи Пита Мондриана. Модельеры предлагали огромное разнообразие безумных аксессуаров и цветовых контрастов, однако именно противопоставление черного и белого стало настоящим хитом десятилетия. Начиная с 1960-х годов, дизайнеры постоянно черпали идеи в других видах искусства, подтверждая тем самым, что красота - категория не постоянная, а переменная.
"Радикальный шик" и стиль субкультур
Наряду со столицами мировой моды Парижем и Миланом в 1960-х годах свой стиль стал диктовать Лондон. Ведущие издания называли английскую столицу новым центром стиля и моды, а британские дизайнеры наперекор консервативному Парижу предлагали экстравагантные модели, которые стали настоящим символом десятилетия.
После окончания Второй мировой войны и преодоления кризиса финансовая ситуация в европейских странах начала улучшаться. Молодые люди уделяли больше времени музыке, кино и прочим развлечениям. Так в лондонский стиль проникла американская мода на джинсы и косухи, а эмигранты из бывших британских колоний привнесли в столицу Англии стиль западной Индии. Новое направление, сформировавшееся под влиянием самых разных веяний и культур, было ориентировано преимущественно на подростков. На улицах Лондона в то время можно было встретить как молодых людей в этнических нарядах, так и "бунтарей" в футболках и потертых джинсах. В 1966 году журнал Time Magazine опубликовал статью под заголовком "Лондон — город свинга". В конце десятилетия на экран вышли фильмы, отразившие революционный дух того периода: "Фотоувеличение" Микеланджело Антониони и "Спектакль" Николаса Роуга. В это же время на Карнаби-стрит, ставшей культовым местом "свингующего Лондона", появились магазины розничной торговли. В 1960-е бутики предлагали молодежи революционные модели, и эта улица прославилась на весь мир как центр независимой моды.
Бунтарские настроения пятидесятых перекочевали и в шестидесятые. В этот период даже подростки из состоятельных семей одевались в секонд-хэндах, подчеркивая свою исключительность и протест против общества потребления. В крупных городах популярными стали рынки с ретро-одеждой, подростки не боялись сочетать старомодные вещи из разных эпох, не заботясь о моде. В то время как обеспеченные молодые люди демонстрировали свою принадлежность к субкультуре, намеренно надевая старые вещи, для подростков из бедных семей эта тенденция стала возможностью соответствовать веяниям и не тратить деньги. Бунтарский дух, однако, был высмеян многими журналистами, которые называли стилизованную бедность насмешкой над бедностью реальной. Американский писатель Том Вулф отзывался о молодежи, как о капризных детях, играющих в революцию, а сам стиль одежды назвал "радикальным шиком". Модельеры же, пытаясь угодить изменившимся вкусам, начали создавать модели в стиле 30-40-х годов, однако дизайнерская одежда "под ретро" не пользовалась большой популярностью - контркультура игнорировала моду.
Отказ от стиля леди и всех тенденций, популярных в предыдущие десятилетия, привел к самому яркому и массовому движению второй половины шестидесятых - хиппи. Пропагандировавшие любовь и мир, несогласные с политикой своих государств "дети цветов" облачались в экзотическую одежду, привезенную из других стран: южноамериканское пончо, индийские туники и головные уборы эскимосов. Яркие и обильно расшитые наряды хиппи дополняли массивными украшениями - в основном, индийскими браслетами и поясами. Философия хиппи стала настолько популярной, что многие модельеры констатировали закат функционализма. "В отличие от романтического стиля и стиля ар-нуво, фольклорный и спортивный стили вкупе с пестрыми мексиканскими одеждами пользуются сегодня необычайным успехом", — писал журнал Neue Mode. Необычные, яркие и притягательные индийские мотивы захватили в 1960-е всю Европу и Америку, а молодежь теперь носила куртки "йети", пестрые юбки, расклешенные брюки, турецкие шаровары, расшитые рубашки и шубы из длинного меха. Несмотря на то что сами представители субкультур скептически относились к моде, глянцевые издания писали о том, что новый стиль заслуживает пристального внимания и способен оказать серьезное влияние на фэшн-индустрию.
В конце десятилетия яркая психоделическая одежда из искусственных материалов отошла на второй план, а настоящим хитом стал стиль милитари. Использование военных вещей в повседневной жизни тоже было своеобразным протестом, последовавшим за прокатившимися по Европе протестами 1968 года: так молодежь пыталась придать одежде, предназначенной для сражений, мирный характер. Камуфляж с грубыми заплатками украшали символами мира, юбки и туфли в стиле милитари разукрашивали в красный и розовый цвета. Такую одежду носили представители самых разных субкультур, а особенно популярны были куртки больших размеров с символами воздушной авиации США. Тогда же модельеры начали экспериментировать с оливково-зеленым цветом, получившим название хаки.
Тенденция к минимализму и главный символ десятилетия
В 1960-е широкое распространение получила одежда из эластичных тканей. Мысль о том, что иметь в гардеробе много вещей неудобно и что женщины вполне смогут обходиться всего несколькими базовыми моделями, посещала модельеров еще в 1930-е и 1940-е годы. Клэр Маккарделл в 1934 году предложила сменить все разнообразие фасонов и моделей на несколько основных элементов, а в начале следующего десятилетия она первой создала леотар — трико с длинными рукавами — и сделала его основой образа. Базовыми вещами гардероба модельер считала черную водолазку и колготки. По-настоящему популярной идея комбинации нескольких простых вещей стала в шестидесятые, когда женщинам предлагалось иметь в гардеробе лишь топ, жакет, юбку и брюки.
Сведение количества одежды к минимуму в этот период стало возможным благодаря появлению эластичных тканей. В 1960-е модельер Джорджио ди Сант-Анджело начал искать новые способы создания тканей. Он работал с шерстью и акриловой нитью, а также изобрел эластичный шелк, который мог растягиваться в любом направлении. Из эластичного шелка и лайкры шились и купальники, и вечерние топы. Художник по костюмам Жак Фонтерей в 1968 году писал: "Я уверен, что трико или одна из его разновидностей станет основным элементом одежды будущего". Фонтерей оказался прав: именно эластичные модели 1960-х послужили основой для создания современной одежды — от спортивных костюмов до вечерних нарядов.
1960-е стали очередным десятилетием, полностью изменившим представления о стандартах женской красоты. Если после войны модельеры ориентировались на матерей семейства и женщин с формами, то в шестидесятые в моду вновь вошла андрогинность, а символом новых стандартов привлекательности стала знаменитая . Худощавая девочка-подросток с наивно раскрытыми глазами появлялась на обложках ведущих глянцевых изданий, а девушки по всему миру стали соблюдать жесткие диеты, желая походить на своего кумира. Твигги стала первой моделью, чей образ воплощал идеалы десятилетия, модельеры создавали одежду для очень худых девушек с мальчишескими фигурами. В модных журналах и на плакатах она появлялась в мини-юбках и платьях от Мэри Квант и воплощала "кукольный" стиль, необычайно популярный в 1960-х. Наряду с поклонниками у Твигги были и недоброжелатели - многие журналисты называли ее болезненно худой и "голодной" девочкой, однако это не помешало распространению моды на андрогинность - в шестидесятые мужчины часто ходили с длинными волосами, а молодые женщины предпочитали короткие стрижки и платья-мини, таким образом выражая нежелание взрослеть.
Громкие дебюты 1960-х
Шестидесятые стали началом гениальной карьеры , который громко заявил о себе уже в начале десятилетия. В 1957 году, после смерти Кристиана Диора, 21-летний Сен-Лоран занял место креативного директора Дома Dior. Однако уже в 1960 году юный модельер создал свою последнюю коллекцию для бренда: руководители Dior решили, что молодой дизайнер не вправе навязывать поклонникам высокой моды уличный стиль, и распрощались с Сен-Лораном. Через два года кутюрье выпустил первую коллекцию под собственным именем, для которой создал двубортный блейзер с золотыми пуговицами и шелковые брюки. Позже сам модельер и многие другие дизайнеры использовали эту модель.
Ив Сен-Лоран был одним из первых модельеров, не побоявшихся создавать революционную одежду в стиле оп-арт и поп-арт, а также предложил смокинг для женщин и наряды в стиле "Африка" и "Сафари". Он смело сочетал самые яркие цвета, ярко-розовое платье дополняя канареечным пиджаком, комбинируя черный с коричневым, оранжевый с красным и фиолетовый с синим.
Еще один громкий дебют десятилетия - появление в мире моды итальянского "шейха шика" Валентино Гаравани. Получив образование в Париже, в конце 1950-х он вернулся в родную Италию, где открыл Дом мод, явивший миру ставшие легендарными фирменные красные платья. Яркие платья стали "визитной карточкой" Гаравани, а у красного цвета дизайнер различал тридцать оттенков. Громкий международный дебют Валентино состоялся в 1962 году, а в 1968-м вышла его знаменитая "белая коллекция", целиком состоящая из вещей белого цвета. Тогда же модельер впервые использовал логотип "V". Женственные платья от Валентино стали символами роскошной жизни, и звезды Голливуда заваливали кутюрье заказами. В 1968 году кружевное платье от Гаравани, в котором выходила замуж за Аристотеля Онассиса, попало на страницы практически всех ведущих изданий.
Летний сезон – час-пик для модниц, ведь именно в это время можно позволить себе поиграть с образами, не ограничиваясь никакими запретами. Даже тем, у кого в офисе строгий дресс-код, позволительно вносить некоторые коррективы в форму одежды. В этом сезоне дизайнеры кроме блеска, цветочных принтов, спортивных мотивов и фовизма предлагают обратить свое внимание на абстрактное искусство. Оп-арт и калейдоскопические рисунки позволят поиграть с воображением окружающих!
Оп-арт часто путают с таким термином, как поп-арт. На самом деле разница существенная. Поп-арт – это массовая культура, это принты с изображениями известных лиц, это яркие краски и микс форм. Основателем этого модного направления был Энди Уорхол, который создал в технике «шелкография» всем известный портрет Мэрилин Монро. Оп-арт – это строгость линий и геометрические фигуры, раппортирование рисунков и сдержанные оттенки. А еще – «ломающие мозг» объемные 3D-эффекты. Носить такое решится только смелая женщина: недюжинное внимание окружающих в таком наряде обеспечено!
Происхождение термина оп-арт
Оп-арт – это сокращение от английского названия абстрактного вида искусства optical art. Другими словами, для создания одежды и образов в этом направлении используется принт с изображением повторяющихся геометрических форм, которые образуют оптическую иллюзию, создают эффект движущейся картинки, объема, выступающих или впадающих участков, выпуклостей. Интересный вариант, не так ли?
Возникло такое направление в 60-х годах прошлого столетия. Его основоположником считают Виктора Вазарели (Victor Vasarely). Картина этого художника-абстракциониста с изображением двух зебр в 1938 году стала началом новой тенденции в искусстве. Оптические иллюзии – обман зрения и мышления, стали активно использоваться художниками.
В 1966 году Ив Сен-Лоран подхватил креативную идею и перенес ее в моду. Использовали в то время оп-арт в своих коллекциях марка Hermеs, дизайнеры Мэри Квант, Андре Курреж, Лари Олдрич. Оптические принты завоевали симпатию любительниц моды, но спустя некоторое время поднадоели своей излишней креативностью, отошли на второй план и уступили дорогу другим тенденциям. Внимание к визуальным иллюзиям возобновилось уже в 2000-х годах. В прошлом сезоне оп-арт начал набирать популярности, этими летом и осенью он еще актуальнее!
Оп-арт в наши дни
Классический оп-арт – это ахроматика, сочетание черного и белого цветов. Впрочем, сегодня не редкостью являются и более яркие, контрастные принты с оптическими эффектами. В их число можно включить и калейдоскопические орнаменты. Повторяющиеся мотивы, пересечения, цветовые иллюзии, обман за счет игры с формами и размерами – характерные признаки направления оп-арт в моде. Геометрические линии принта сами по себе усложняют силуэт, так что одежда в этом стиле отличается упрощенным фасоном.
С чем носить вещи в стиле оп-арт? В идеале блузы и топы с оптическим принтом комбинируем с однотонными брюками и юбками, креативный иллюзорный низ по этой же логике – с простым верхом. Правила существуют для того, чтобы их нарушать – решили дизайнеры и предложили модницам сочетать разные оп-арт мотивы в одном образе (например, полоску и горох, ромбы и круги, плавные зигзаги и острые линии, полоску и калейдоскопические принты). Total op-art look тоже приветствуется.
Если полностью оп-артный образ – не Ваш вариант, добавьте одну-две тематические изюминки в свой look, например, туфли-лодочки с закручивающимися по спирали мысками или эффектную сумку в этом стиле.
В весенне-летнем сезоне на оп-арт мотивы обратили внимание многие дизайнеры. Завораживающую коллекцию представила марка Edun. Модели демонстрировали на украшенном в стиле оп-арт подиуме свободные брюки, легкие юбки, шорты и костюмы-двойки с витиеватыми узорами из треугольников, полос и квадратов.
Весьма интересные идеи можно подсмотреть в коллекции от Martin Grant: черно-белая геометрия, объемные юбки, элегантные силуэты. Выбор настоящих леди!
Интересную летнюю коллекцию представил на суд зрителей бренд . Тончайшие ткани плюс мелкая полоска – не совсем классический оп-арт, но «тепло», эффект от такого сочетания потрясающий. Легкие сарафаны, длинные полупрозрачные платья в пол, невесомые многослойные юбки-макси – идеальное решение для летних образов.
Оп-арт тенденцию в сезоне весна-лето 2014 поддержал и своей коллекцией платьев, брюк и комбинезонов с изящными зигзагами, завитками и волнами. Бренд Roccobarocco показал пальто, платья и брюки в мелкую цветную клетку, а также невероятной красоты пышные сарафаны-макси в полоску, – сочетания полоски и «разнокалиберного» гороха, Tegin – строгие платья с заломленными под разными углами прямыми, Viva Vox – задорную одежду с небольшими оп-арт вставками.
У Talbot Runhoff в коллекции появились безумно интересные костюмы и платья с мелким оп-арт рисунком, марка Raoul предложила принт с крупными зигзагами, бренд порадовал разноцветными геометрическими узорами и калейдоскопическими мотивами – выбираем, не стесняемся!
Optical art в разных интерпретациях есть и в сезонных коллекциях от ,
Внушительный список, не так ли? Если одну и ту же идею воплотили в жизнь столько дизайнеров, ее можно без сомнений заносить в список актуальных тенденций!
Вдохновляемся увиденным и создаем свои образы!
Фото: buro247.ru, vogue.ru, artnow.ru, class6a1130.ucoz.ru, zorya.org.ua, a549ok.blogspot.com, enfemenino.com, liveinternet.ru, marieclaire.ru, vvvision.com.ua, trendy.wmj.ru, lifestyle.ru.msn.com, wonderzine.com, karina-kartina.blogspot.com, israwoman.com, marinadicavu.com, modno-nemodno.ru,be-in.ru, kasjauns.lv, thecurvyfashionista.com, fringeassociation.com, andreajanke-accessory.blogspot.com, chicisimo.com, fashionburo.blogspot.com
